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Resulta difícil no enamorarse de Gordon Matta-Clark, un creador entusiasta y original, digno hijo del mitificado mayo del 68, que mezcla arte y vida en un todo de cariz idealista. Vástago de artistas, el joven Gordon y su gemelo Batan crecerían en un ambiente intelectual de vanguardia –lleno de personas e ideas procedentes tanto de Estados Unidos como de Europa- que marcaría una trayectoria creativa plenamente vigente en la actualidad, si bien quebrada por la enfermedad a la temprana edad de 35 años.
Cuestionamiento del espacio expositivo · Expansión del Campo Escultórico
Cabe enmarcar su obra en la profunda investigación que se emprende a partir de los 60 del siglo pasado en torno al espacio expositivo. El cuestionamiento del espacio artístico canónico de la modernidad en museos y galerías, el white cube, dispara el interés por las relaciones del arte con su propio contenedor –llegando a excederlo o descartarlo en orden a liberarse de sus “lazos políticamente coercitivos”, que diría Dan Graham- y los modos de recepción del arte. Así, mientras algunos de sus contemporáneos desplazan su actividad a entornos “naturales” –sustanciando la expansión del campo escultórico teorizado por Rosalind Krauss hacia el paisaje-, la de Matta Clark tienen lugar en la ciudad –nutriendo su expansión hacia la arquitectura y más allá, el urbanismo-, preferentemente mediante intervenciones en edificios abandonados y naves industriales ubicadas en áreas deprimidas. Esta elección consciente fundamenta un doble ataque al proyecto moderno: de un lado el rechazo a la pretensión de aislamiento del arte y, de otro, la crítica a los preceptos arquitectónicos dominantes, centrándose en aspectos conflictivos como las condiciones de habitabilidad alienantes derivadas de las teorías funcionalistas.
Anarquitectura (Cuttings)
En consecuencia, aun cuando se formó como arquitecto –profesión que jamás ejerció- la aspiración de “hacer espacio sin construirlo” apoya su consideración como escultor e inspira una práctica que bautizaría como anarquitectura, y que ampara la idea de complejizar el espacio en edificaciones deterioradas, a través de operaciones principalmente sustractivas –cortes, vaciados, desplazamiento de estructuras, …-, denominadas cuttings.
Conical intersect (1975), constituye un buen ejemplo anarquitectónico. Hasta mediados de abril, podréis acercaros a la exposición “El arte y el espacio” en el Guggenheim Bilbao Museoa donde os toparéis con el registro videográfico (sin sonido) del proceso de realización de esta pieza. Observaréis la ejecución de determinados cortes realizados sobre dos edificios del siglo XVII en el barrio de Les Halles (París), zona que sufriría una significativa transformación urbana alentada por un afán modernizador y que a la postre albergaría el Centro Pompidou, nuevo paradigma de museo contemporáneo. La intervención en un distrito destinado a una profunda renovación urbanística, sobre arquitecturas llenas de historia que el sistema considera elementos de deshecho, explicita la opción de Matta-Clark por abrazar en su práctica artística un concepto de espacio atravesado por problemáticas sociales y políticas sin excluir, no obstante, aspectos formales.
Registro del Proceso y Performatividad
El documento visual que da cuenta del proceso nos presenta imágenes de acciones altamente físicas realizadas en el seno de un entorno urbano lleno de vida. Es un artista que se involucra corporalmente: el equipo pasó dos semanas serrando, taladrando, realizando los cortes transversales pertinentes -con sierra mecánica pero también con cinceles y martillos- para introducir un vacío en forma de cono que, visible desde la fachada, se adentraba en el interior de las edificaciones. Así, el registro anima a concebir el corte en términos de acción, comportando conceptualmente una división en la materia a resultas de la cual queda el hueco en calidad de huella. Los cortes que profiere a la construcción permiten la entrada de haces de luz transformando también a este nivel el espacio. Durante el lapso temporal que transcurrió hasta su derribo definitivo se alentó al público a experimentarlo de un modo extrañado, creativo, subvirtiendo sus valores convencionales. La recepción de la pieza implica un alto grado de performatividad y corporalidad puesto que se anima no sólo al visionado de tal espacio desde la calle –punto de vista exterior y contrapicado que queda igualmente reflejado en la grabación- sino a la experiencia kinésica desde su interior recorriendo las entrañas alteradas de la edificación. Si asociamos a la arquitectura determinados valores como la estabilidad o refugio-protección, podemos imaginar que el tránsito interior de Conical Intersect procuraría una sensación extracotidiana de inestabilidad, desequilibrio y contacto con la intemperie y el abismo. Una concepción del espacio de la vivienda alternativo al hegemónico.
Finalmente, os insto a observar la complejidad del espacio que el propio documento videográfico (y las composiciones fotográficas como la que incluyo debajo) procura –planos picados y contrapicados que conectan exterior e interior, cenitales desde un piso superior al del corte en fachada, conversaciones a pie de calle con viandantes curiosxs, incluso un baile que sugiere el acento lúdico de las acciones-, constatando que tal complejidad espacial no se circunscribió exclusivamente a la propia arquitectura.
 Gordon Matta Clark Trabajando en Conical Intersect  Vista desde el exterior  Montaje Fotográfico realizado a partir de Conical Intersect  Cuttings que dan lugar al cono que se inserta en los edificios
Indudablemente esta exposición internacional itera sobre la transversalidad del espacio, materiales y procedimientos artísticos y tecnológicos a nivel disciplinar, interdisciplinar y multidisciplinar de desarrollo rizomático. Su puesta en escena activa un diálogo libre entre artistas y público visitante, como lo ha expresado Paolo Baratta, presidente de la Bienal.
“Viva Arte Viva” ha permanecido abierta al público del 10 de mayo a 26 de noviembre. El pasado 13 de mayo fueron otorgados los premios de la 57 Biennale di Venezia, de los que deseamos destacar algunos de ellos:
“León de Oro a la mejor participación nacional” se concedió al pabellón de Alemania, con el trabajo de Anne Imhof, comisariado por ifa (Institut für Auslandsbeziehungen), bajo la curaduría de Susanne Pfeffer. Se trata de una instalación que juega con el espacio interior del pabellón alemán, habiendo colocado un doble plano de cristal, paralelo al suelo a una distancia transitable y que juega con las diferentes direcciones del espacio: la transparencia, el reflejo y la puesta en escena de las acciones performativas realizadas por actores (tres veces mañana y tarde, cada semana), que utilizan el espacio / tiempo / cuerpo / voz / sonido / …. Esta obra ha sido creada expresamente para dicho contenedor bajo el título de “Faust”. Dicha obra interroga al público en distintos aspectos de las relaciones espaciales.
“León de oro al mejor artista de la Exposición “Viva Arte Viva” (Pabellón del espacio común, Arsenal-Corderie), ha sido otorgado al artista alemán Franz Erhard Walther, donde la participación se realiza estrictamente por invitación de la propia curator: Christine Macel y del Comité de la Bienal. Franz Erhard Walther reconoce el cosido como un medio de expresión innovador e indaga sobre la idea artística en que la obra viene definida y completada por la presencia física del cuerpo. Ha presentado tres obras de la serie “Wallformation” (1983-1986) y una selección de “Walking Pedestals” de 1975.
“León de oro a toda una carrera” ha sido otorgado a una gran pionera de la performance, Carolee Schneemann, nacida en Pensilvania en 1939. Carolee Schneeman es una pioniera de la performance feminista a comienzos de los años 60. Schneemann ha utilizado el cuerpo desnudo como fuerza primitiva y arcaica capaz de unificar las energías. Usó su cuerpo como tema principal de su arte. De este modo, la artista concibe a la mujer tanto como creadora, como parte activa de la creación misma. Su estilo es directo, sexual, liberador y autobiográfico. La artista promueve la importancia del placer femenino sensual y explora las posibilidades de emancipación política y personal de las convenciones sociales y estéticas predominantes. Para ello experimenta una amplia gama de medios como la pintura, el cine, el videoarte y la performance. Sin duda este premio reconoce no solamente la espectacular labor visual y performativa de la artista estadounidense, sino también al reconocimiento a la Performance, al Body art, como medio de expresión en sí. Schneemann, es sin duda la verdadera antecesora o precursora de la performance, algunas de sus acciones fueron verdaderas provocaciones y fuente de inspiración para tantos/as artistas, como: Hannah Wilke, Trisha Brown, Marina Abramovic, Gina Pane, entre otras.
“León de Plata al mejor Artista joven” en la exposición Viva Arte Viva, como promesa del arte, ha sido para Hassan Khan (artista egipcio nacido en 1975 en El Cairo, pero que vive y trabaja en Estados Unidos).
Debemos de evidenciar que Christine Macel, curator de la 57 Biennale di Venezia, directora del Centre Pompidou de París es una gran admiradora de la Performance y según sus palabras,
la Exposición Internacional la propone como cita obligada del Arte Contemporáneo junto a otros dos acontecimientos europeos organizados por Alemania: La 14ª Documenta de Kassel, que en esta edición se celebra también en Atenas y Skulptur Projekte Münster 2017. Esta edición de la Biennale di Venezia pone frente al mundo de hoy sus conflictos y sus temblores; es testigo de la parte más ambiciosa de la humanidad en un momento en el cual el humanismo está en peligro; por eso se necesita una reflexión y una expresión individualista de la libertad, así como los interrogantes fundamentales: sueños y utopías, relaciones con el otro y con los demás, sentirse unidos con la Naturaleza y con el Cosmos, además de una dimensión espiritual que puedan encontrar un espacio y un equilibrio. Y el arte no es ni debe ser el último eslabón, sino que ha de ser un jardín donde broten nuevas ideas, más allá de las modas, y de los intereses personales, por eso debe promover representando una representación que ponga una alternancia a la indiferencia. Dado que más que nunca, el rol, la voz y la responsabilidad del artista aparecen por lo tanto cruciales en su conjunto, con debates, y precisamente gracias a la individualidad que se nos esboza en un mundo lleno de incertidumbres, un mundo de un mañana inquieto lleno de dudas; más que nunca necesitamos al Arte, dado que precisamente los artistas más que ningún otro intuyen la dirección: ¿Qué hacer? Y así “VIVA ARTE VIVA” es un grito, un dicho y una expresión de la pasión por el Arte y para el Arte, es una Bienal por el arte.
“Este año como en las pasadas ediciones, el Pabellón Central, situado en Giardini tiene una exposición, bajo el título “VIVA ARTE VIVA”, curada por Christine Macel. En esta ocasión se desarrolla alrededor de nueve capítulos, que proponen un recorrido: Pabellón de los artistas y de los libros; Pabellón de las alegrías y del miedo; Pabellón del espacio común; Pabellón de la Tierra; Pabellón de las Tradiciones; Pabellón de los chamanes; Pabellón de lo dionisiaco; Pabellón de los colores; y Pabellón del tiempo y del infinito. Luego siguen los respectivos 87 Pabellones Nacionales y en el Arsenale y Le Corderie.
Por primera vez participan: Antigua & Barbuda: (Islas del Mar del Caribe), el Pabellón está ubicado en el Centro Cultural Don Orione Artigianelli. Fondamenta Nani en (Dorsoduro); Nigeria tiene su Pabellón en la Iglesia de San Stae, en el Canal Grande; y Kiribati (se pronuncia Kiribas), forma parte de una de las Islas del Océano Pacífico de Australia, su Pabellón está ubicado en el Palacio Mora, en Strada Nuova, Cannaregio.
 Fig. 1 . PHYLLIDA BARLOW. “Locura”. Instalación. Técnica mixta. Pabellón de Gran Bretaña. Giardini.
 Fig. 2. MARK BRADFORD. “Mañana es otro día”. Escultura. Técnica mixta. Pabellón de EEUU. Giardini
De los Pabellones que más nos ha llamado la atención han sido: el Pabellón de Canadá, Geoffrey Farmer presenta un juego con el agua como protagonista en el espacio/tiempo, chorros intermitentes que sorprendían al público; el Pabellón de Gran Bretaña con la escultora Phyllida Barlow que con el título “Folly” presenta una instalación compuesta por esculturas monumentales, que invaden y llenan enteramente el espacio recreando una escenografía arquitectónica, donde la escultura es la protagonista (fig. 1); el Pabellón de Estados Unidos con la presencia del artista norteamericano Mark Bradford presenta “Tomorrow Is Another Day” (fig. 2), utilizando materiales de uso cotidiano y social donde quizás por eso, el mañana, es una historia dentro de tantas otras historias. La acción colectiva define el empeño social de Bradford, en Venecia con la colaboración local de Río Terrá dei Pensieri, ha fundado un Proceso Colectivo para los reclusos con la finalidad de ayudarlos en su camino hacia la autosuficiencia. Una reflexión sobre la marginación social y una respuesta de frente a este problema social, donde el arte otra vez da soluciones. Otro Pabellón muy poético fue el de Japón, con el artista Takahiro Iwasaki con“Turned upside down, It’s a forest” (fig. 3). Utiliza materiales de uso cotidiano, como toallas, y objetos de plástico y reconstruye una ciudad; la visión de este pabellón es doble: primeramente hay que ponerse a la cola, subir una escalera y meter la cabeza en un agujero para encontrarnos como protagonistas de un bosque, bajo la mirada atenta del público. Al volver arriba, seremos nosotros espectadores, en vez de parte integrante de la idea. El Pabellón de Alemania representado por Anne Imhof, “Faust”, una espectacular instalación de acero y cristal, que dividía el espacio cubico del contenedor en diferentes niveles. Los performers actuaban por toda la instalación, por encima del suelo acristalado y por debajo; con su propio perro la artista se movía. El Pabellón de Brasil con Cinthia Marcelle, “Chäo de caça”, premiada con el León de plata, como mención emergente y por su novedoso mensaje, de estar dentro-fuera, interior-exterior. En el Pabellón de Austria, el artista Erwin Wurm con un espectacular camión colocado verticalmente en el exterior; obra que invita al público a subir la gran escalera, que en sí se convertía en un performer: “Stand quiet and look out over the Mediterranean Sea” y durante unos minutos el Mar también adquiría su aspecto físico, mientras en el interior del pabellón, todo espectador podía transformarse por un minuto en una escultura. El Pabellón de Egipto, ha sido una sorpresa con “The Mountain” del artista Moataz Nasr, sin duda uno de los vídeos más espectaculares de toda esta Bienal de Venecia. Un fotografía impecable, un color sorprendente, una puesta en escena y un mensaje donde el miedo es tema de discusión y de reflexión. El miedo, probablemente es el menos reconocido y valorado entre nuestros instintos primordiales. Sin embargo también él surge, forja y nos ayuda a crear el mundo donde hoy vivimos….En el Arsenale quizá el Pabellón de Irlanda con Jesse Jones que presenta “Tremble Tremble”, donde la performer, una actriz de teatro, Olwen Fouéré acciona el aborto practicado durante el siglo XVII por la brujería, donde una bailarinas movían un telón negro en el entreacto. El pabellón Italia representado por Cuoghi, Andreotta y Husni-Bey que nos ha propuesto un montaje espectacular e impactante sobre la muerte, el transito chamánico de la vida/muerte, bajo el título de “Libro Mágico” (fig. 4). El final fue mejor, que el comienzo, me refiero al evento colateral del Museo Correr con Shirin Neshat con “The Home Of My Eyes”, fotografía de personas de su país (Irán), retratos inspirados en el Greco. Los rostros, cuellos, brazos y manos estaban con grafía árabe, la poesía del poeta de Azerbaiyán, Nizami Ganjavi. Y desde San Giorgio contemplamos una espectacular puesta de sol al visitar una exposición retrospectiva de Pistoletto.
Fig. 3. TAKAHIRO IWASAKI. “Girando al revés, se ve el bosque”. Instalación. Técnica mixta. Pabellón de Japón. Giardini.
 Fig. 4. ROBERTO CUOGHIA. “Imitación de Cristo”. Arsenale, Pabellón Italia: “El mundo mágico”.
Frecuentemente vuelvo a una pregunta que me interroga sobre la investigación en Bellas Artes y el sentido que ésta tiene, desde mi doble condición de artista y profesor universitario. En este contexto, siempre hay que estar atento a la cuestión de la creación, la obra, y la consiguiente explicación, el texto.
En su día, comentaba este tema con mis compañeros: Juliantxo Irujo y Santi Ortega y de conformidad con ellos, elaboramos un texto con el mismo título que este artículo y por su vigencia, cuelgo ahora en el blog del proyecto rizomArtea.
El texto es el siguiente:
Ya ha pasado el tiempo de debatir qué es la investigación en Bella Artes. Investigar en el campo de BB.AA., es hoy una realidad académica consolidada que sitúa esta cuestión, en el mismo plano que en otras facultades de la UPV/EHU y también, de fuera de nuestro entorno. Consideramos que hemos superado los debates internos surgidos tiempo atrás, donde para algunos la práctica artística en sí misma, suponía una investigación como tal, mientras que para otros, la creación no tenía nada que ver con la investigación. Centenares de tesis doctorales y de trabajos de investigación han desarrollado diversos modelos plásticos en los que se plantean ejemplos sobre la articulación entre: el comprender y el sentir el arte o entre, la investigación y la práctica artística. Pueden formularse nuevos modelos y sobre todo, desarrollos a partir de los ya existentes pero no puede negarse el rigor y el valor del trabajo realizado. No ponemos en duda las relaciones entre creación artística e investigación y, tampoco pueden entenderse como dos conceptos coincidentes. Sus funciones y condicionantes sociales son distintos. La sociedad y las instituciones, a veces, confunden esta situación e identifican a los artistas famosos y de vanguardia con los investigadores sobre arte.
El currículo propiamente investigador referido a la dirección de tesis doctorales, proyectos, másteres, etc., al parecer no es tenido en cuenta por algunos sectores de nuestra sociedad. Tampoco se entiende que los proyectos que realizamos sirvan para aplicarlos al desarrollo de toda la sociedad. Si en la actualidad seguimos teniendo problemas respecto al reconocimiento de la labor investigadora en nuestras facultades, se debe en parte a que, socialmente, no se ha explicado de manera suficiente la distinción entre las funciones de la investigación y las de creación artística.
Queremos reivindicar desde este texto la labor de algunos pioneros de la investigación en BB.AA., en especial, la del profesor y artista José Luis Tolosa. Cualquier debate sobre el tema debería contar con sus aportaciones formuladas en sus publicaciones: “Enseñar la pintura”, “El crisol del alquimista”… Manifestamos nuestro desacuerdo ante la indiferencia de sus reflexiones magistrales, en favor del otorgado a profesionales del arte y de la crítica, que no han profundizado en la docencia, ni en la propia investigación universitaria y se erigen en protagonistas de la teoría y de la práctica artística.
Fernando Mardones
 Christo and Jeanne-Claude, Running Fence, Sonoma and Marin Counties, California, 1972-76 Photo: Wolfgang Volz © 1976 Christo http://christojeanneclaude.net/projects/running-fence Christo y Jeanne-Claude: la crisis de la transversalidad del espacio
El término transversal viene del latín. Tiene 3 partes: (1) el prefijo trans– que significa “de un lado a otro”; (2) versus que significa “dado vueltas” y (3) el sufijo –al que equivale a “relativo a”. Es decir, ser transversal es poder ir “de un lado a otro”, o estar “dado vueltas”.
¿Por qué se relacionamos la obra de Christo Vladimirov Javacheff (Bulgaria, 1937) y Jeanne-Claude (Marruecos, 1937 + Nueva York, 2009) con el concepto de transversalidad del espacio que está el centro de la investigación que realizamos en la Universidad del País Vasco y el tema central de este blog?
Christo y Jeanne-Claude son artistas que trabajaron en colaboración para realizar obras que transitan el espacio desde un territorio híbrido atravesado por el Land Art, la arquitectura, el urbanismo, los espacios naturales, la escultura y el diseño.
Su propuesta artística se ancla en acción de envolver, empaquetar, embalar espacios, árboles, objetos y edificios y desplegar esta acción a diferentes escalas, incluyendo grandes extensiones, a través de intervenciones leves en las que emplean materiales de poco impacto y maleables, adaptables y retirables. Han actuado sobre ciudades y espacios naturales en Berlin, Nueva York, Kassel, Sidney, Miami, y en enclaves naturales suizos.
Los conceptos de envolver, embalar, empaquetar son en sí mismos transversales a varios campos, incluyendo el diseño y el arte. Aun que estén presentes en la historia de la humanidad son conceptos que hoy cobran gran actualidad por los aspectos simbólicos y geopolíticos que pueden llegar a representar, dada la situación que vivimos en el planeta.
En particular, el proyecto Running Fence (Christo y Jeanne Claude, 1976) nos recuerda el proceso de cierre de fronteras, controles a la inmigración en varios países del mundo, intensificación de los procesos de control político y social y al aumento de barreras a la libre circulación de personas: fronteras, muros, controles, barreras a la naturaleza transversal del espacio.
 Emigrantes en la frontera entre España y Marruecos.  Frontera E.U.A-México  Los inmigrantes en la frontera E.U.A-México. Fuente: http://www.bbc.com/mundo/noticias-america-latina-36466006 Enlace:
http://christojeanneclaude.net/projects/running-fence
Rachel Whiteread. Enbankment 2005. Turbine Hall, Tate Modern Londres
Una de las características básicas del mundo material es el tamaño de las cosas entendiendo por cosas todo lo que tiene existencia física y perceptible. Vivimos en un mundo en el que en todo momento somos “menores que” , “iguales que” o “mayores que” con todos los gradientes que esto supone . Esas comparaciones hacen ver que nosotros , que nuestro cuerpo actúa como término fijo para la comparación aunque eso evidentemente no es cierto ,ya que los propios objetos, sean edificios, muebles u otros utensilios, son término de comparación de los de su categoría. Así que tenemos por un lado el cuerpo , que nos dará una referencia de tamaño y escala y por otra el espacio y los propios objetos.
Rachel Whitehead con su obra Enbankment deja pequeños a los humanos. En la obra mostrada en la Turbine Hall de la Tate Modern en 2005 ha reproducido en polietileno miles de cajas y lo que hace grande la obra no es el tamaño de la caja individual sino la cantidad. Pero no es solo la enorme cantidad lo que modifica la percepción y sentido de la obra también lo es el material y el color. El color blanco traslúcido del polietileno tiene la virtud de alejarnos de los objetos de los que Rachel Whitehead parte –cajas de embalaje de cartón donde se guardan pertenencias personales- . Cajas que en primer lugar ha llenado de escayola llenando su vacío y copiando sus paredes desde ese interior y que después reproduce en ese material tan parecido visualmente al hielo . Las cajas pierden así en gran medida su identidad , sea por la cantidad sea por las distintas cualidades del material en que se han hecho , sea por reproducirse sus interiores cerrados con suaves relieves. Se disponen de manera ordenada en ocasiones y en otras de manera desordenada pero dando lugar a mi entender a una forma figurativa formando bloques prismáticos separados por calles y montañas parecidas a icebergs. Un paisaje en el que en ocasiones los detalles te traen a la realidad de lo que se tiene delante pero que por la sutileza del material y variedad de tamaños pienso que no deja de producir un extrañamiento que precede a una imaginación de lugar.
Rachel Whiteread es una artista británica nacida en 1963 cuya obra se caracteriza por mostrar el espacio que rodea así como el interior o “negativo” de objetos y espacios a través de su vaciado en diversos materiales: escayola, cemento, resinas de poliester, caucho y en la que vemos en la imagen polietileno. Sillas, bibliotecas, una habitación con su chimenea y una casa completa forman algunas de sus obras. Estas copias del espacio interior dejan ver las huellas en relieve del objeto de manera que se identifica bien la referencia al tratarse de objetos comunes de la vida cotidiana de varias generaciones. Según sus propias palabras el vaciado trae a la vista “el residuo de años y años de uso”.
En algunas ocasiones, como sucede en Enbankment la repetición de los mismos objetos forma una instalación en la que el espacio de exposición cobra relieve y la disposición refuerza alguno de los aspectos de la obra. Así, si en la anteriormente dicha opinamos que se sugiere un lugar ambigüo que situaríamos entre un inmenso almacén y un paisaje polar , en Untitled (One Hundred Spaces) de 1995 la equidistancia de los elementos y la formación de una cuadrícula refuerza el contenido formal , próximo al minimalismo , de la obra compuesta por el vaciado del interior de cien sillas.
Para finalizar apuntar que el procedimiento utilizado, en todos los casos sitúa a sus obras en la escala real y repetir que es la cantidad y la cualidad dada por la precisión del trabajo y las propiedades del material lo que hace a la obra elegida algo grandioso y extraño.
Azkuna Zentroa (Bilbao) presenta del 16 de febrero al 14 de mayo de 2017 la exposición “Hiriko Epifaniak / Epifanías Urbanas” del artista cubano Carlos Garaicoa (1967) que incluye la pieza inaugural de este blog titulada “Partitura”.
La obra de este artista, que actualmente trabaja a caballo entre sus estudios de La Habana y Madrid, consta de instalaciones, dibujos, vídeo, fotografía, planos y esculturas que pueden hallarse en galerías, colecciones privadas y museos así como en los certámenes de arte contemporáneo más relevantes del momento como las bienales de Venecia y La Habana o la Documenta en Alemania.
No recibió formación artística formal hasta 1989, sin embargo, para entonces llevaba años documentando cámara en mano diferentes aspectos de su Habana Vieja natal, inicialmente desde el rol de reportero. Pronto sus intereses evolucionan hacia aspectos más conceptuales y objetuales del entramado urbano trazando progresivamente una trayectoria artística que toma la ciudad como objeto de investigación-creación multidisciplinar bajo una mirada crítica. En este sentido, cabe destacar algunos aspectos que refuerzan la idea de transversalidad:
Creación colaborativa · La instalación a la que nos referimos propone una especie de retrato de la ciudad contemporánea a través de su sonoridad (también imagen) desde el precepto de creación compartida, desde un planteamiento colaborativo con músicos, técnicos de imagen y sonido y el compositor Esteban Puebla. Un total de 70 personas aportando su saber y su hacer a un proyecto que comenzó hace nada menos que una década.
Prácticas performativas · Varios recorridos por entornos urbanos (Bilbao y Madrid) posibilitaron la toma de contacto y posterior grabación de músicos callejeros hasta conformar el amplio archivo sonoro del que parte la pieza. Concurren en esta fase del proceso creativo dos prácticas performativas que se despliegan en el espacio. De un lado el errar, acción asimilada por el mundo del arte gracias a los situacionistas y altamente revalorizada en los últimos tiempos (sin ir más lejos Artium proponía un paseo-visita dentro de su reciente exposición “La Naturaleza y su Temblor” y dentro del programa de actividades de “Epifanías Urbanas” se incluye un taller que plantea la deriva como forma de descubrimiento). De otro, la (realización) interpretación musical de l@s músicos, que erigen un espacio-tiempo urbano performativo y efímero que excede al meramente topográfico mediante tales momentos sonoros.
El archivo de sonidos es re-elaborado a través de una partitura realizada ex profeso por el compositor musical Esteban Puebla que se muestra en un lugar privilegiado dentro de la instalación, con cierto sentido site-specific, que acoge Bilbao.
Instalación Multidisciplinar y Puesta en Escena teatral · Varios medios concurren en esta pieza: video, música, grafía e intervención espacial. El espacio instalativo se plantea en correlación con la pieza contigua “Sin Título (Alcantarillas)” dado que el suelo ha sido cubierto por completo por las baldosas específicas de la ciudad anfitriona. Se refuerza con esta continuidad la idea de ciudad como espacio de confluencia de distintas realidades y reflejo del devenir social, la baldosa como aglutinadora de diferentes piezas y elemento re-contextualizado o extendido desde su entorno exterior habitual a un contenedor de interior de carácter artístico.
Sobre las baldosas observamos la ordenación de un buen número de atriles en formación semicircular en torno a un estrado sobre el que reposan tres pantallas frente a varios asientos para visitantes. La convencional formación de orquesta sinfónica donde, en una cota superior y central se sitúa el director o directora en torno al cual se disponen l@s músicos con su partitura. En este caso, es un espacio dispuesto para el público.
Sobre cada atril descansan unos cascos y una tablet que proyecta las interpretaciones de l@s músicos grabadas en video proponiendo un espacio visual para este archivo. Se acompañan a su vez de un papel que recoge ciertos elementos gráficos que remiten a pentagramas y notas sin llegar a serlo. Grafismos que adquieren una autonomía mayor en la animación videográfica central (estrado) al ponerse en movimiento. En principio sugieren relaciones formales claras con el lenguaje musical pero llega un punto en que las grafías se liberan de tales parámetros manteniendo, sin embargo, la relación rítmica con la composición musical, recordando en cierta medida, a la musicalidad visual inscrita en los filmes experimentales de Eggeling y Richter.
El blog rizomArtea constituirá un archivo que dará a conocer obras y artistas, planteamientos conceptuales relacionados con la “Transversalidad del espacio. Materiales y procedimientos artísticos y tecnológicos en el proceso creador“, objeto de investigación del equipo interdepartamental de la Facultad de Bellas Artes/Arte Ederren Fakultatea, Departamento de Escultura/Eskultura Saila.
Nuestro propósito es plantear la transversalidad del espacio como paradigma rizomático a través de la interdisciplinariedad como método en la investigación/creación del arte. Cada semana se presentará una obra y referente artístico internacional, que irá constituyendo un documento de reflexión y difusión en atención a diferentes ámbitos y disciplinas, obras de creación personal, obras de creación colaborativa u obras realizadas en equipo.
Cada entrada semanal de este blog será editada por uno de los componentes del equipo: María Jesús Cueto Puente, Iratxe Hernández Simal, Fernando Mardones Berasaluce, Elena Mendizabal Eguialde y Cristina Miranda de Almeida Barros, que nos iremos alternando y rotando.
Se abordarán cuestiones relacionadas con la investigación/creación a partir de la n dimensión, acometiendo la experimentación a diferentes niveles, que plantearan el espacio, la puesta en escena, el papel del espectador, la circulación, la materialidad, el contexto y otros aspectos fundamentales relacionados con la percepción, consciencia, conexión, …
Es fundamental entender la transversalidad del espacio a partir de la influencia recibida desde otros ámbitos, los cambios en el papel del espectador, el espacio escénico, la puesta en escena y las nuevas tecnologías, que han sido fundamentales para poder situarnos en nuestra contemporaneidad. Sin embargo, aunque estos ámbitos sean observables en las prácticas escultóricas, su rol determinante no ha sido todavia suficientemente desvelado, tanto en la teoría como en la experimentación artística. Explorar en este tema de investigación/creación en arte se justifica por las contribuciones, tanto teóricas como experimentales, que pueden ayudar a definir y constituir un campo artístico en desarrollo.
Al contextualizar este tema, hemos de situarnos entre las décadas de los 60/70, cuando los artistas multidisciplinares de la neovarguardia vislumbraron el advenimiento de una nueva actitud en el arte, prononiendo criterios de exclusión de prácticas y formas artísticas en relación al soporte y procesos de configuración relacionados con la tradición y la historia y es por ello, que su dimensión crítica abandona la estructuración de los espacios y su configuración con formas geométricas; iniciándose así un decantamiento con la propuesta prácticas idóneas a los nuevos tiempos del sistema cultural del arte, como la comunicación, las imágenes y las emociones. El arte se transformaba en un lugar de sensaciones, un espacio interior que en principio debería trascender hacia el exterior, habiendo sido transformado su campo experimental por el principio de transversalidad, como paradigma rizomático . La búsqueda de la armonía y del equilibrio es sustituida por la indagación de un complejo y dramático conocimiento del sujeto o indivíduo. La idea de proyectar formas con carácter de permanencia es sustituida por la voluntad de temporalidad de las imágenes y de la materia. Sin embargo, la condición efímera, lo temporal o transitorio, se opone a la permanencia; además lo atemporal o el -presente eterno-, es una cualidad fundamental en el arte junto a la -ley del cambio-. Dicho concepto de transversalidad del espacio nos ha llevado también a indagar sobre la creación en equipo y la exploración con un sentido colaborativo y participativo.
Descubrir la dimensión participativa del arte contemporáneo a través del compromiso que se establece entre obra y público, nos abre un campo de reflexión y experimentación crítica desde la escultura y a partir de un espacio real, físico o virtual, donde el cuerpo se utiliza como soporte, herramienta ó medio de creación de ambiente, acción y participación; es así como nos sitúa en el concepto de la transversalidad, y examina cómo lo teatral y el impacto de las tecnologías han cambiado nuestra percepción sobre la naturaleza de la obra de arte, así como sobre la realidad y el contexto social.
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